大家好，如果您还对国画图片大全大图不太了解，没有关系，今天就由本站为大家分享国画图片大全大图的知识，包括中国山水画的特点的问题都会给大家分析到，还望可以解决大家的问题，下面我们就开始吧！

本文目录

1. 工笔荷花国画图片大全
2. 彩墨国画花卉图片欣赏
3. 国画常识大全

一、工笔荷花国画图片大全

荷花“中通外直，不蔓不枝，出淤泥而不染，濯清涟而不妖”的高尚品格，历来为古往今来诗人墨客歌咏绘画的题材之一。我整理了工笔荷花国画图片，希望大家喜欢!

2.单瓣粉莲组如“东湖红莲”等。

6.重瓣粉莲组如“落霞映雪”等。

9.红台莲组仅见Ⅰ组1种，即“红台莲”“重台莲”。

10.千瓣莲组仅见Ⅰ组1种即“千瓣莲”。[7]

“千瓣莲”为荷中珍品，自古有之。其**的花托可分成两个或两个以上的轴心，花**时外瓣层层谢薄，内层碎瓣即小花瓣不断增生，并旋转成两个或多个花心。外观成双花心考称“并蒂莲”，三个花心者称“品字莲”，四个花心者称“四面莲”，多个花心者称“五子莲”、“绣球莲”等，均不结莲蓬。其实，这些都是一种“千瓣莲”的花态变异现象，不能各自成为品种。

另有种并蒂现象，即荷花的花芽在分化过程中，受到某种外界环境条件的影响，而分成两个分生中心，进而发育成两个象是双脑胎的花蕾，于是在一支花柄上并开两朵花，结一对莲蓬。此系偶然现象，亦非品种特征，不能遗传。[7]

11.单瓣红碗莲组如“火花”等。

12.单瓣粉碗莲组如“童羞面”等。

13.单瓣白碗莲组如“娃娃莲”等。

14.复瓣红碗莲组如“案头春”等。

15.复瓣粉碗莲组如“粉碗莲”等。

16.复瓣白碗莲组如“星光”等。

17.重瓣红碗莲组如“羊城碗莲”等。

18.重瓣粉碗莲组如“小醉仙”等。

19.重瓣白碗莲组如“白雪公主”等。[7]

20.单瓣黄莲组如“黄莲花”。[7]

二、彩墨国画花卉图片欣赏

写意画的传统是一个需要逐步深入和掌握的过程，但现代的写意画除了必须继承这种传统以外，更需要创新的表现。我整理了彩墨国画花卉图片，希望大家喜欢!

初学者，首先要懂执笔，姿势才能正确，达到运笔用墨自如，应注意以下几点：1笔正：笔正则锋正。骨法用笔以中锋为本。2指实：手指执笔要牢实有力，还要灵活不要执死。3掌虚：手指执笔，不要紧握，指要离开手掌，掌心是空的，以便运笔自如。4悬腕、悬肘：指大面积的运笔要悬腕或悬肘，才可以笔随心，力贯全域性。

中锋用笔要执笔端正，笔锋在墨线的中间，用笔的力量要均匀，笔锋垂直于纸面，其效果圆浑稳重。侧锋用笔执笔偏侧，笔锋在墨线的边缘，笔锋与纸面形成一定的角度，用力不均匀，时快、时慢、时轻、时重，其效果毛、涩变化丰富。

顺锋：一般指笔锋的执行和笔杆的倾斜方向一致，其效果光洁、挺拔。逆锋：笔锋逆行也就是说习惯的运笔方向相反，其效果干涩、稚拙。

聚锋是指笔锋拢在一起，呈单一笔锋。散锋则指笔锋散开，呈多锋状又称“开花笔”，其效果枯涩而多变化。

各种笔法的运用，主要依效果而定，当然也不排斥个人的特殊习惯，用笔的快慢，决定于纸的吸水程度及笔中含水分的多少。画纸吸水快，用笔的速度相对也快些，但如笔中含水较少或极少，用笔速度也就不同程度地放慢。如果纸吸水慢，但笔中含水较多，用笔的速度也要相应快一点，随着笔中水分的减少，用笔的速度也逐渐放慢。

勾：以线造型。是工笔、写意画法主要手法之一。比较起来以工笔画用的更多一些。同时“勾”又往往与“染”结合表现一些特定的内容，如人物的脸、手，以及花卉的勾染等，勾有时也同皴结合使用，如山水画石头的画法，多是勾皴结合。工笔的勾，以中锋为主，要求工整、严谨，近似书法中的楷书。写意的勾，则比较随意，要生动活泼。以侧锋结合中锋，有时也用散锋，近似书法皴：是一种和勾紧密结合的辅助方法，工笔和写意均常用。大体上分为点状皴类、面状皴类、线状皴类。无论哪种皴法均需见笔，用笔要有变化，可用中锋、侧锋，也可以用聚锋和散锋，但效果不可太光。擦：笔触不清楚的叫擦。擦是皴工序的继续，是皴的一个补充，其目的是让画面效果更加浑厚。皴、擦的区别在于：一个要见笔触，一个不见笔触。作画时擦不能单独使用，可以和皴交替使用。但实际上往往很难把这两道程式分开。点：是以面造型的表现手法，写意画使用较普遍，工笔画中也有没骨点染的方法。工笔的点和染是分不开的，因此叫点染。写意画中的点叫点戳或点戳，点法要强呼叫笔方法和见笔触。写意的点法要从实际出发，可以藏锋，可以露锋;可以侧锋，也可以散锋，无论哪种方法都要见笔触，不可含混不清。染：是加强画面效果的又一种方法。工笔画及写意画均用，但工笔画用得更多一些。工笔画中的染可分为勾染、烘染两种。烘染是在物象轮廓外所做的一种效果的补充，另外还有分染、罩染、碰染等。写意画的染一般都是和皴、点结合进行，如皴染、点染，它是一种见笔触的染法。其作用同工笔一样，方法有溼染先在被染处上一遍水、干染两种。

什么是以“线”为主的中国画笔墨观

中国画的表现方法是以“线”为主的笔墨，它的物质材料是毛笔、水墨和宣纸。这种特殊的工具材料，与特定的表现手法有着密切的内在联络。以至“笔墨”成为中国画的一个重要特点。有无笔墨，成为人们评价中国画优劣的一个重要标志。比较中西绘画的用线手法，虽然西方画家也利用线条塑造形象，传达感情，但他们更侧重于表现形象的质感、量感、空间感。中国画**条的作用则超出单纯塑造形体的功能，具有表达作者思想感情和**的审美作用。中国画线条的节奏美和韵律美，包括两个方面：一是每根线条本身的节奏和韵律，它是由线条在绘画过程中有控制的提按、行顿、转折、轻重、疾徐等所产生的变化。另一种是各种线条的长短、粗细、繁简、疏密、浓淡、虚实等变化形成整幅画的节奏美。用墨的变化是由笔的变化中发展出来的，笔和墨在使用时是两相结合、相辅相成的。如同骨骼和血肉的关系，不能截然分开。墨由笔出，笔由墨现，一幅好的中国画笔法和墨韵是浑然天成的。

中国画在色彩上，有着它独特的规律与方法，它排除了自然及光源的约束，一般多强调物象的固有色。在整个色彩关系中，以白色白纸和墨为基础，以色彩为辅。早期的中国绘画，多是以重彩来表现。如唐、宋时的大批人物画和山水画，多是以重彩表现。元明以来，随着纸的出现带来了水墨技法的演变。同时文人画形式的出现，使绘画逐渐发展成了以水墨为主，以色为辅的面貌。墨在中国画色彩中不只是一种“黑”颜色，而是作为一种调整画面关系的“色彩”存在。中国传统画论中有“墨分五色”的理论，就是一种典型的以墨为色的观念。设色的形式：有纯用墨色表现的水墨画，有色墨结合的淡彩画，也有色彩艳丽以色为主的重彩画。总之色与墨的用法不同，体现出不同的风格与面貌。9.中国画中所提的“形似”、“神似”是指什么“形似”与“神似”是相对应的。是指绘画作品与自然物象外在特征之间的肖似关系。也就是俗话所说的，画什么像什么。战国荀况有“形具而神生”之说。南朝齐范缜亦有“形存则神存，形谢则神灭”之说。形似与神似是统一的。南朝宋宗炳虽有“万趣融其神”之说但仍坚持“以形写形”，“以色貌色”。东晋顾恺之说的更明确，即所谓“以形写神”。清代邹一桂说：“未有形不似反得其神者。”以上诸观点，都是主张“形似”是绘画的基础。“神似”与“形似”也是相对应的。指主客观相统一，由事物的表象审美到意象的深化。也就是说除了画什么像什么之外，还要注意精神内在的表现。即“神者形之用，形者神之质”。袁文曰：“作画形易而神难。形者其形体也，神者其神采也。凡人之形体，学画者往往皆能，至于神采，自非胸中过人，有不能为者。”晁以道、杨慎、李贽等皆有阐述，“画不徒写形，正要形神在。”故“形神兼备”是中国绘画艺术的定论。

中国画中“形似”和“神似”的关系

画家在描写物件时，要在刻画物件外形的基础上，达到传神的境界。这就不是只限于对物象简单如实的描写，而是包含了画者从感性认识到理性认识，再从理性认识到艺术表现完整的过程。它不是物象简单的再现，而是比原来生活中的物象更高度概括，更注重精神实质的表现，而达到传神。这种作画的态度，就是中国画现实主义创作方法的基础。

李可染先生说：“意境是艺术的灵魂，是客观事物精萃的集中，加上人的思想感情的陶铸，经过高度艺术加工达到情景交融，从而表现出来的艺术境界，诗的境界。”意境在中国画中包含的内容很多。一张画的主题，其取景构图、造型和传神、情节安排与描写以及画面经营处理都须在“意”字上下功夫。“意”可以说是一张画的灵魂。中国画向来就被说成“画是无声诗”、“画有意境”。一张画常常是物件特征和画家感受的和谐表现才能产生诗意。情景交融的形象才是诗的形象，所谓“意中有意，味外有味的形象才是耐人寻味的艺术形象”。一张情意深，表现力强的画对看画的人能保持着广远持久的吸引力，这就是所说的中国画的“意境”。

表现意境的加工手段叫“意匠”，也就是指艺术家的表现方法和创造力。在艺术上“匠”字是很高的誉词，如“匠心”、“宗匠”等等。对于艺术家来说，加工手段的高低关系著艺术造诣的高低，历代卓越的艺术家没有不在“意匠”上下功夫的。中国画意境的表现，首先是作者的生活感受，形象思维，艺术创作表现方法等一系列内在功力的结果，同时还必须进行反复的高度的艺术提炼，要求作者苦心经营，精工制作，达到匠心独运的艺术效果，谓之高度意匠。正如唐代大诗人杜甫所说：“意匠惨淡经营中”，“语不惊人死不休”。

三、国画常识大全

国画教学国画工具与材料笔毛笔以其笔锋的长短可分为长锋、中锋和短锋笔，性能各异。

长锋容易画出婀娜多姿的线条，短锋落纸易于凝重厚实，中锋、短锋则兼而有之，画山水以用中锋为宜。又根据笔锋的大小不同，毛笔又分为小、中、大等型号。

画山水各种型号都要准备一点，一般“小山水”小狼毫、“大山水”大狼毫各备一支，羊毫笔”小白云”、“大白云”各备一支，再有一支更大的羊毫“斗笔”就可以了。新笔笔锋多尖锐，只适于画细线，皴、擦、点擢用旧笔效果更好。

有的画家喜欢用秃笔作画，所画的点、线别有苍劲朴拙之美。制笔和选笔有四个标准，即「尖、齐、圆、健」四德，「尖是笔锋合拢后顺畅而尖，尖则点划不失其锋，「齐是锋毫齐平，齐则易於变化，「圆是笔毫本身圆整，圆则书写时圆劲不分叉，「健是笔毫具有适度的弹性，健则坚固耐用。

中国的毛笔不同於西洋的油画笔，中国毛笔是圆锥状，油画笔是扁平的刷子，近似我国排笔。笔的性质决定於制作的技术与所采用的比毫种类，供作画用的毛笔大致可分为硬毫、软毫及介於两者之间的兼毫三大类。

硬毫笔主要用狼毫（黄鼠狼的尾尖毛制成），以有用貂、鼠、马、鹿、兔毛制成，硬毫的笔性刚健，适合画线条，常见的「兰竹」、「小精工」、「小红毛」、「叶筋笔」、「衣纹笔」、「书画笔」等，日本笔有「山马笔」、「面相笔」、「勾勒笔」等。软毛笔主要用羊毛制成，也有用鸟类羽毛制造的，性质柔软，含水性强，适合作大面的渲染用，常见的软毫有「大鹤颈」、「白圭笔」、「染笔」、「大鹅」、「纯羊毫提笔」、等，日本笔则有「彩色笔」、「隈取笔」等。

兼毫笔是用羊毫与狼毫（或兔毫）相配制成，性质在刚柔之间，如「七紫三羊」、「白云笔」、「纯紫尖毫」，日本笔有「则妙」、「玉兰」、「长流」等.好的毛笔都有一些共同的特点：圆、齐、尖、健，使用起来才能运转自如。画笔用后应及时清洗干净，避免墨汁干结损坏笔毫。

墨常用制墨原料有油烟、松烟两种，制成的墨称油烟墨和松烟墨。油烟墨为桐油烟制成，墨色黑而有光泽，能显出墨色浓淡的细致变化，宜画山水画；松烟墨黑而无光，多用于翎毛及人物的毛发，山水画不宜用。

挑选墨首先看其色，墨色发紫光的最好，黑色次之，青色又次之，呈灰色的劣墨不能用；然后听其音，好墨扣击时其声音清响，研磨时声音细腻，劣质的墨声音重滞，研磨时有粗糙响声。磨墨要用清水，用力均匀，按顺时针方向转慢磨，直到墨汁稠浓为止。

作画用墨要新鲜现磨，存放过久的墨称为宿墨，宿墨中有浓缩后的渣滓，用不好有脏黯之。现在北京、天津等地生产的书画墨汁（如一得阁），使用方便，已为许多书画家所用，但墨汁中胶重，最好略加清水，再用墨锭研匀使用。

墨色更佳。纸中国画在唐宋时代多用绢，到了元代以后才大量使用纸作画。

中国画用的纸其它画种不同，它是青檀树作主要原料制作的宣纸，宣纸产于安徽泾县，古属宣州，故称宣纸。宣纸又分为生宣、熟宣和半生熟宣。

熟宣纸是用矾水加工制过的，水墨不易渗透，遇水不化开，但和其它纸张的效果也不一样；可作整细致的描绘，可反复渲染上色，适于画青绿重彩的工笔山水。生宣纸是没有经过矾水加工的，特点是吸水性和渗水性强，遇水即化开，易产生丰富的墨韵变化，能收到水晕墨章、浑厚化滋的艺术效果，多用于写意山水画。

熟宣用画容易掌握，但也容易产生光滑板滞的毛病；生宣作画虽多墨趣，但渗透迅速，不易掌握。故画山水一般喜欢用半生半熟宣纸。

半生熟宣纸遇水慢慢化开，既有墨韵变化，又不过分渗透，皴、擦、点、染都易掌握，可以表现丰富的笔情墨趣。可以代替宣纸作画的纸还有东北的**纸、四川的夹江宣纸、江西的六吉纸等等，其性能接近于半生半熟的宣纸。

砚砚台我国最有名的砚是歙砚和端砚。歙砚产于安徽歙县，端砚产于广东高要县。

好的砚台。一般书画选择各地产的砚台可以了，选择砚台主要择其石料质地细腻，湿润，易于发墨，不吸水。

砚台使用后要及时清洗干尽，保持清洁，切忌曝晒、火烤。砚的优劣，对墨色有很大的影响、最理想的是广东肇庆出产的端溪砚，或安徽的砚，都是石坚致细润，发墨快，墨也磨的细，且能贮墨甚久不易乾，但良质的砚**昂贵，本省二水出产得螺溪石砚品质亦佳，但不宜选购树脂加石粉灌出来的塑胶品选择砚台虽然以石质细润为佳，但过於光滑（如**大理石砚），亦不容易发墨。

砚台的形状也有多种款式，以墨海一型最便利，储墨多，使用后可盖上盖子，以免墨水乾涸。经过一段时间后，残墨积的太多，应先用水浸泡，再洗除墨垢，保持砚台清洁。

颜料我国的绘画发展到唐代，以重彩设色为主流，自从宋代水墨画盛行以来，在文人标淡雅的趋势下，色彩的运用有逐渐衰退的倾向；然而习画者应该对传统的绘画颜料有所认识，作多面性的发展，或与水墨作更佳的结合。传统的颜料两大类。

矿物性颜料从矿石中磨炼出，色彩厚重，覆盖性强，常用的有：（一）石绿：通常呈粉未状，使用时须兑胶，石绿根据细度可分为头绿、二绿、三绿、四绿等，头绿最粗最绿，依次渐细渐淡。。

2.国画知识：学习国画必须具备哪些知识

学习国画必须具备哪些知识国画一词起源于汉代，汉朝人认为中国是居天地之中者，所以称为中国，将中国的绘画称为“中国画”，简称“国画”。

下面来看看国画知识：国画的学习步骤是什么。一、必须练好基本功书画中的基本功较多，但最基本的基本功，就是画交叉线、圆线和波浪线。

为什么要画交叉线、圆线和波浪线？中国画的基本笔法就是线条，线条造型舍弃了光源、明暗和体面，重在表现物象的形状和结构关系，并通过这些表象去表现物象的本质特征，这就是通常所说国画的“以线立骨”。中国画中的“骨”，乃是支撑艺术形象，使之富有精、气、神的本质表现。

单纯以线立骨的骨架而言，即是指线的运用要强调线的表现力，利用线的长短、粗细、转折、顿挫、轻重、疾徐、刚柔、强弱、浓淡、光毛等变化去表现物象的神态、形体、质感、动势、节奏、空间等等造型因素的各个方面。使线融于形象之中，才能完成富有个性的造型形式的营造。

这是以线立骨最基本的具体体现。点击图片看大图学网国画知识：国画的学习步骤是什么？二、“临摹入手”是必经之路国画是中国的传统国粹之一，经过数千年历史的熔治，形成了一套特有的表现形式。

它经古往今来无数画家师法造化，并以自我的审美理想意趣加以熔铸而成。这为中国民族所特有，因而具有鲜明强烈的民族色彩。

如线描中的高古游丝描、钉头鼠尾描、铁线描等，是最初为了表现不同质地的衣着、花鸟等，经过画家长期的潜心体察、琢磨，或从表现其他对象获得启发借鉴而形成的一些表现手段，是以客观对象为依据的主观创造。其本身已具审美价值，不因时空关系而**存在。

它便于人们应用这些程式进行艺术的再创造，由于人有性格、趣味、修养的差别，应用时便出现千差万别，不尽相同。又有人不满足现成的程式，并加以变化创造，于是又出现各种新的表现程式。

如能经得起历史的考验并为人们所确认，那么老的程式被取而代之，成为历史的陈迹，而新的程式又将为以后的人们接受或改变创造。因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此不断地交替往复向前发展着。

只要是符合当时人们的审美观点、审美标准，通俗的讲就是大家认为好看漂亮的作品，就能在历史的大浪淘沙中保存流传下来，这就是国画数千年流传下来的客观规律。我们讲绘画有程式的表现方法，即表现某个画材，应当这样画而不应当那样画，这是前人为我们提供宝贵的作画经验，也是艺术的结晶，为我们学习绘画带来借鉴之便。

有借鉴与无借鉴的艺术品，就有高雅粗俗的区别。所以，学习掌握传统绘画的表现程式，就成为入中国画之门的“敲门砖”了。

对于一个真心喜欢国画的初学者来说，有效的捷径当推“临摹入手”。古往今来，所有的国画**均是从“临摹入手”，才得以成为一代**的。

临摹是初学画者入门的主要途径，特别是对名家名作的临摹。学画者通过临摹可以学会和掌握艺术特色特点与技巧。

临摹名家作品，要先观察作品的表现手法和艺术技巧，耐心揣摩作品的运笔方式，掌握作品的事物表现形态，认真研究作品的精神气质。三、选择临摹范画十分重要“临摹入手”就必须要有样画，有条件的初学者能直接对照老师的真迹揣摩临写最为理想，但没有条件的用**品或印刷品也是可以的。

总之要选择艺术水平较高，有临摹价值的古今作品，用以学习掌握传统笔墨技巧，体察古人今人的用心。但对待临摹不能抱实用主义态度，一般从临摹到掌握及至应用，都有一定的距离，不可能有现成的拿来套用。

根据自己的亲身体会，临摹一个完整的作品，难在上色阶段，最少要画一百张以上，才能真正基本初步掌握临摹技巧。点击图片看大图国画知识：国画的学习步骤是什么？四、线条是中国画的根本笔墨是中国画的特色，精华所在，没有笔墨不能称其为中国画，笔墨一词从广义上讲，指利用笔墨达到的画面气象，色彩，章法，意境，品味等诸方面的绘画语言。

狭义的笔墨专指用笔用墨的技巧。“画是无声的音乐”！就是指好的画一笔一划就象一个一个动人的音符，组成美妙动人的质韵乐章。

有质是对描绘的客观对象的“真”的追求，即能神形兼备；有韵是指通过客观对象以表达主观的精神，即能传神写意。中国画要求主观和客观的统一，“外师造化，中得心源”是中国画毕生追求的世术境地。

用笔有“三忌”，宋代韩纯全《山水纯全集》中提出：“用笔有三病：一曰板；二曰刻；三曰结。”所谓“板”，是指没有腕力，用笔不灵活，画出来的笔线平扁，没有圆浑的立体感；所谓“刻”，是说笔划过于显露，甚至妄生圭角，不自然，没有生气；所谓“结”，是指落笔僵滞，欲行不行，当散不散，笔线不流畅。

用笔犯了这三个毛病，就谈不上线条的美感。别外，还其禁忌如“枯、弱、光滑、草率等等是也。

五、国画的技巧不可否认，做任何事情都有技巧。国画技巧有二：第一就是多画，正可谓“熟中生巧”！第二才是技巧理论。

就是将教科书上的理论技巧倒背如流，也不一定会画；只要天天临摹几张样画，就是没学过一句理论技巧也会画的。为什么这样说呢？有人为证。

中国画就是中华民族创立的一种绘画艺术，已有2000多年的历史了，形成了独特的民族风格和东方艺术魅力。

中国画的工具、材料、技法和美学意蕴都与其他画种有别。中国画的颜料以墨为主，以矿石颜料设色为辅，用各式毛笔在特制的宣纸或绢素上绘画。

中国画的基本画法可分为工笔和写意两大类。在题材上有人物、山水、花鸟三大类。

中国画的风格是不求形似而求神似，“贵情思而轻事实”，要求“意在笔先，画尽意在”。中国画的基本技法就是用笔、用墨、用水、用色。

随着时代的发展，各种画派在不断地推陈出新。中国画也吸取了一些新的技法，探索各种创作方法，使这一古老的画种有了更加丰富多彩的面貌。

另外，中国画与中国书法、诗文及篆刻紧密结合，相互影响，形成一种诗书画印合为一'体的独特艺术，极大地提局了中国画的艺术价值。一幅中国画必然有诗，它包括诗词、文赋、佳句、感想、落款等，总称为题跋。

这些题跋是用书法来表现的，书法的优劣，直接影响到画面质量。书法题跋是中国画构图的一部分，可起调节、衬托画面的作用。

印在国画中起到丰富画面、提起精神之作用，可谓“万墨丛中一点红”。印章除与画面内容相呼应外，本身也有很髙的艺术价值。

笔墨中国画术语，亦作中国画技法的总称。

技法上，“笔”通常指钩、勒、皴、擦、点等笔法；“墨”指烘、染、破、泼、积等墨法。理论上，强调笔为主导，墨随笔出，相互依赖映发，完美地描绘物象、表达意境，以取得形神兼备的艺术效果。

常用的笔墨技法有白描、勾勒、没骨和渲染等。白描有线无色。

用墨线勾描物象，不着颜色修饰，多画人物、花卉。勾勒有线有色。

画出轮廓后再着色，多画工笔花鸟。其中用笔顺势为勾，逆势为勒。

没骨无线有色。不用墨线勾勒，直接以彩色描绘物象，多画山水。

渲染用水墨或颜色强化物象的明暗色彩，使其明显。如画云来表现明月，画背景以显现、突出要表达的东西。

此外，中国画技巧还有破墨、泼墨、积墨、钩研、点苔、折枝、十八描等。

首先，国画的底子应该是书法，而不是素描，切记切记。

其次，国画的韵味源自古典书卷之气，而非现代时尚之气，凡是提出中国画的现代化的，都不是纯粹的国画，那是徐悲鸿为始作俑的一批人，引进西方美术教学方式以后的才出现的，并且，当时引起的目的在于纠正并协助中国画的传统化教学，所谓“中学为体，西学为用”的思想。另外，在素描的高级学府——**——俄罗斯，素描也不是这么画的，去了一次，从最基本的东西重起炉灶革新了一次。

绝对不要以**关系、明暗对比来考量国画。临摹画作一定要持之以恒，不要今天临习这家明天临习那家，这样是没用的，哪个名家，都有超出常人之处，细细体会，细心摹画，临习时对象的选择也很重要，首先不要入手先临摹风格过于跋扈的、奇崛的，要自平和入手，然后，根据自身兴趣，选择特定风格临习。

切忌浅尝辄止，无论临习哪家，都要钻研一番，等到真正懂了以后，或者确确实实不再感兴趣以后，再换别家。笔墨是中国画的特色，精华所在，没有笔墨不能称其为中国画，笔墨一词从广义上讲，指利用笔墨达到的画面气象，色彩，章法，意境，品味等诸方面的绘画语言。

狭义的笔墨专指用笔用墨的技巧。 1、用笔《古画品录》中六法：骨法用笔。

是指用笔要有力度，有骨气，心随笔转，意在笔先。具体说来即提，按，顺，逆正，侧，藏露，快，慢等。

用笔要觉着、痛快，讲究提按、顺逆、快慢、转折、正侧、藏露等变化。山水画运笔有中锋、侧锋、藏锋、露锋、逆锋、顺锋等方式。

中锋运笔，垂直，行笔时锋尖处于墨线中心，用中锋画出的线条挺劲爽利，多用于勾勒物体的轮廓。侧锋运笔，手掌向左偏倒，锋尖侧向左边，由于是使用笔毫的侧部，故笔线粗壮而毛辣，多用于山石的皴擦。

藏锋运笔，笔锋要藏而不露，横行“无往不复”，竖行“无垂不缩”，古人称之为“一波三折”，画出的线条沉着含蓄，力透纸背，常用以画屋宇、舟、桥的轮廓，也用于山石的勾勒，树干的双勾。露锋则使点画的锋芒外露，显得挺秀劲健，画竹叶、柳条便是露锋运笔。

逆锋运笔，笔管向前右倾倒，行笔时锋尖逆势推进，使笔锋散开，笔触中产生飞白，这种点、线具有苍劲生辣的笔趣，树干、山水的勾勒、皴擦都可运用。顺锋运笔与逆锋相反，采用拖笔运行，故画出拇条轻快流畅，灵秀活泼，勾云、画水常用此法。

中国画运笔方法十讲究，从古至今，积累了丰富的经验，如黄宾虹先生提出的“五笔”之说，“五笔”即“平、圆、留、重、变。”所谓“平”，是指运笔时用力平均，起讫分明，笔笔送到，既不柔弱，也不挑剔轻浮，要“如锥画沙”。

所谓“圆”，是指行笔转折处要圆而有力，不妄生圭角，要“如折钗股”。所谓“留”，是指运笔要含蓄，要有回顾，不急不徐，不浮不滑，不放诞犷野，要“如屋漏痕”。

所谓“重”即沉着而有重量，要如“高山坠石”，不能象“风吹落叶”，即古人说的“笔力能扛鼎”的意思。所谓“变”，是指用笔有变化，或用中锋或用侧锋，要根据表现对象的不同而变化，不能执一。

二是指运笔要互相呼应，“意到笔不到，笔断意不断。”笔线的形式概括起来无非是画线时求得粗、细、曲、直、刚、柔、轻、重的变化和对比，使之为所描绘的对象“传神写照”。

山水画的线条的提倡：枯而能润，刚柔相济，有质有韵。枯而能润上乘用笔应有“干裂秋风，润含春雨”之妙。

“太湿则无笔，太枯则无墨”，所以，必须学会运用枯、润这一对矛盾，使一对矛盾统一起来。哪么这种笔线是怎样画出来的呢？李可染先生说得非常清楚：“笔内含水不要太多，这样运笔则苍；行笔涩重有力，就能把水份挤出来，这样运笔铡润。”

刚柔相济是指笔线形式要达到既不柔弱又不刚直的完美境界。刚和柔，又是用笔上的一对矛盾。

不会运用这对矛盾，往往不是失之“刚”，就是失之“柔”。著名画家黄宾虹、李可染、陆俨少先生把刚柔这对矛盾处理得非常的好，是我们学习的典范。

陆俨少的画中，山石的勾勒，树、苔的点擢，苍劲雄健，势挟**风雨；而云、水的笔线则轻盈容与、婀娜多姿。刚柔相济，产生极强的形式美的世术魅力。

有质有韵是指肉容与形式的统一。质，是客观物象的形体实质。

在绘画上，无论画得多好的线条，如果脱离了制要表现的对象，就成为没有价值的笔墨游戏了。韵，是线条运动的韵味、韵律、节奏。

“画是不声的音乐”就是指好的画之一笔一划就象一个个动人的音符，组成了支美妙的动人乐曲。有质是对描绘的客观对象的“真”的追求，即能神形兼备；有韵是指通过客观对象以表达主观的精神，即能传神写意。

中国画要求主观和客观的统一，“外师造化，中得心源”是中国画毕生追求的世术境地。用笔“三忌”宋代韩纯全《山水纯全集》中提出：“用笔有三病：一曰板；二曰刻；三曰结。”

所谓“板”，是指没有腕力，用笔不灵活，画出来的笔线平扁，没有圆浑的立体感；所谓“刻”，是说笔划过于显露，甚至妄生圭角，不自然，没有生气；所谓“结”，是指落笔僵滞，欲行不行，当散不散，笔线不流畅。用笔犯了这三个毛病，就谈不上线条的美感。

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